子供のダンスは音楽を聞けると身体から本当に整う理由

カウントが合っているのに、音楽が見えない

レッスンで見ていると、ワン、ツー、スリー、フォーと正しく動けている子がいる。足も順番通り。手も忘れていない。止まる場所も合っている。

でも、曲を消して先生の声だけで数えても、ほとんど同じ踊りになることがある。

これ、振付の練習としては間違っていない。順番を身体へ入れるにはカウントが便利やし、みんなで同じ場所を確認する時にも必要なんよ。

ただ、カウントは音楽そのものではない。

同じ「ワン」でも、重たいワンがある。軽く跳ねるワンがある。遠くから入ってくるワンもあれば、身体の真ん中をドンと押すワンもある。

数字だけなら全部ワン。でも音楽の中では、全部違う。

地図があるから迷いにくい。でも地図だけ見て歩いていたら、目の前の景色は入ってこないやろ。

子どものダンスも一緒。数が合っているかだけを追い続けると、音が鳴っているのに、身体の中では先生のカウントしか流れていない。

同じ振付を、先生のカウントだけで一回、曲を流してもう一回踊ってもらうと、違いが見えることがある。

カウントだけの時はきれいにそろう。でも曲が流れた時、少し早くなったり、逆に一音を長く使いたくなったりする。そのズレを全部間違いにすると、子どもはまた数字へ戻ってしまう。

そこに、その子が音を受け取った跡があるかもしれへん。まずは何が起きたかを見る。すぐ直す前に、音と身体の間に生まれたものを受け取る。

俺が見たいのは、数字通りに動いた身体だけちゃう。その音を聞いた時に、その子の身体に何が起きたかなんよ。

音を聞くとは、音に遅れないことちゃう

「音を聞いて」と言うと、子どもは音に遅れないように頑張ることがある。

耳を澄ます。タイミングを待つ。鳴ったらすぐ動く。これは大事。でも俺が言う「聞く」は、もう少し広い。

音の速さだけではなく、重さ、細さ、間、繰り返し、消え方まで受け取る。身体のどこが反応したかも感じる。足なのか、胸なのか、背中なのか。

そして、今の自分が音の中のどこにいるかを知る。

これを全部、踊りを止めずに感じていく。

難しそうに聞こえるやろ??笑

でも、子どもは遊んでいる時に自然とやっている。好きな曲が流れたら、誰に教えられなくても肩が動く。足が跳ねる。顔が変わる。

あれは、正解の音を探しているんちゃう。音を受け取った身体が先に答えている。

だから音を聞く練習は、耳だけを鍛えることではない。身体全部で受け取る範囲を広げることなんよ。

低い音で膝が沈む子もいる。細い音で指先が動く子もいる。何も教えていないのに、曲が変わっただけで歩幅が変わる子もいる。

その反応は、まだ技ではない。名前もない。でも名前がないからこそ、その子の身体から出てきたものやと分かる。

最初から大きく表現できなくていい。一音で呼吸が変わった。一瞬だけ肩の力が抜けた。その小さな反応を消さずに育てることが、音を聞く入口になる。

身体の形を直すほど、音が消えることがある

レッスンでは、足の向き、膝、お腹、腕、目線、いろんな場所を直す。

一個ずつ知るのは大事。自分の身体がどうなっているか分からなければ、選ぶこともできへんから。

でも、足を見て、次に膝を見て、次に腕を見て、と全部を順番に監視し始めると、リズムが消えることがある。

身体を整えようとしているのに、身体の中がバラバラになる。

右足は右足の仕事。左手は左手の仕事。頭は間違っていないか確認する仕事。誰も音楽を受け取っていない。

俺はレッスンで、「大体でいいから、音楽を聞きながらここへ戻ってくる」と伝えることがある。

きっちり固めた場所へ戻すんちゃう。音の中で、自分が立ちやすい場所を見つけにいく。

足の向きはどうやろ。お腹は使えてるかな。腕は自然に動いてるかな。それを検査するのではなく、感じるくらいでいい。

一個ずつ捕まえにいくと音楽が逃げる。でも音楽の中にいながら身体を感じると、バラバラやった場所が少しずつ一つに戻ってくる。

整えるとは、全部を固定することちゃう。流れの中で、自分の中心を見失わないことやと思ってる。

例えば、足を上げて元の場所へ戻すだけの動きでも、戻る場所を一点に決めすぎると身体が固まる。

少しズレてもいい。音楽を聞きながら、「今の自分ならここやな」と戻れることの方が大事。その場所は毎回ミリ単位で同じではないけど、身体はちゃんと分かっている。

疲れてきたら内股になる。腕が遅れる。目線が近くなる。そういう変化も音楽の中で感じられたら、自分で少し戻せる。

先生に止められて直すだけではなく、踊りながら自分で氣づく。その力が育つと、身体は指示を待つものから、自分で整えられるものへ変わっていく。

リズムは足で取るものではなく、身体に流れ続けるもの

ヒップホップでは、ダウンを取る、アップを取る、足でリズムを刻む。そういう言い方をする。

もちろん入口として分かりやすい。でも足が動いているだけで、リズムが身体にあるとは限らない。

膝は動いている。でも肩は固まっている。胸は止まっている。呼吸も止まっている。これではリズムが足元で行き止まりになる。

逆に、大きく動いていなくても、身体の中をリズムが通っている子がいる。

足裏から膝へ。骨盤から背中へ。背中から腕へ。呼吸と目線まで、同じ流れの中にいる。

俺は最後の状態を大事にしたい。

リズムを自分から取りにいくだけではなく、音楽が身体を通ることを邪魔しない。必要な場所だけ使って、いらない力は手放す。

すると、同じステップでも呼吸が見える。頑張って刻んでいた動きが、曲と一緒に動き始める。

音楽が身体に入るというのは、音を覚えることちゃう。身体の中に、音が通れる道ができることなんよ。

道が狭い時は、音が入ってきても肩や足だけで止まる。子ども本人も、そこだけがしんどくなる。

でも膝、骨盤、背中、腕がつながり始めると、一か所だけで頑張らなくてよくなる。音の力を身体全体へ分けられるから。

大きく踊ろうとしなくても動きが広く見えるのは、この時なんよ。身体が大きくなったんちゃう。音の通る範囲が広がった。

トレーニングがダンスに変わる瞬間

ステップを覚える。足の形を直す。軸を作る。何度も同じ動きを繰り返す。

これはトレーニングとして大事。できなかったことができるようになるには、身体へ指令を渡す時間がいる。

でも、できるようになった動きを、そのまま見せてもダンスにならないことがある。

チャールストンを正しく踏んだ。形もきれい。速さも合っている。でも見えたのが「チャールストンという動き」だけなら、まだトレーニングの結果を見せている段階かもしれへん。

そのステップを使って、何を感じたか。どう遊んだか。音のどこが氣持ちよかったか。そこまで出てきた時、やっとその子のダンスになる。

形を捨てるわけちゃう。練習したものがあるから自由になれる。

ただ、練習した形を守ることが目的になると、身体はずっと先生の答えを再生する。

一度、音楽へ返す。曲に聞いてみる。「このステップ、今日はどう使う？」と。

軽く歩くように使う日もある。大きく踏む日もある。止まる直前だけ強く使う日もある。

そこに選択が生まれた時、覚えた技が初めてその子の道具になる。これ、めちゃくちゃ面白いんよ。

レッスンで急に子どもの顔が笑う瞬間がある。さっきまで足順を思い出す顔やったのに、同じステップで遊び始める。

腕を少し振ってみる。向きを変えてみる。曲の強い場所だけ深く踏んでみる。先生が言っていない動きが、練習したステップから勝手に生まれる。

「自由にしていい」と言われたから自由になったんちゃう。身体に入れたものと音楽がつながったから、試せる余裕が生まれた。

俺は、この余裕が出てきた時に「あ、今トレーニングがダンスになったな」と感じる。

音楽の中には、強く踏まなくていい場所がある

子どもが一生懸命踊ると、全部の音を大きく取ろうとすることがある。

ドンも強い。タッも強い。何も鳴っていない間も強い。最初から最後まで、全部100の力で走り切る。

熱はある。氣持ちもある。それは大事。でも音楽は、全部同じ大きさでできていない。

小さな音がある。何も置かれていない間がある。遠くへ抜ける音もある。そこまで強く踏んだら、せっかくの音を身体が塗りつぶしてしまう。

力を抜くのではなく、音に合わせて力の置き場所を変える。

音楽を聞ける子は、ずっと頑張らない。休んでいるわけでもない。次に何が来るかを身体で受け取りながら、必要な瞬間まで力を残している。

だから一歩が強く見える。全部を強く踏んだからではなく、そこまでの余白があるから。

抑揚は、派手な技を足すことちゃう。音楽の中で、出す場所と残す場所を選ぶこと。

その選択ができると、同じステップしか使っていなくても、踊りの景色がどんどん変わっていく。

これは声と一緒やと思う。最初から最後まで大声で話されたら、どこが大事か分からへん。でも静かな声があるから、一言の強さが届く。

ダンスも、ずっと動き続ける必要はない。小さく揺れる。歩く。待つ。そこで音を聞いているから、次の一歩に意味が生まれる。

頑張っていないように見える時間にも、ちゃんと音楽はある。そこを信じられる子は、無理に動きを足さなくなる。

曲が変わると、同じステップの意味も変わる

同じチャールストンでも、流れる曲によって見え方は変わる。

明るい曲なら遊んで見える。重たい曲なら一歩に覚悟が出る。細かい音が多い曲なら足先がしゃべり始める。

ステップの名前は同じ。でも、音楽との関係が変われば意味は変わる。

これがあるからダンスは面白い。同じ技を持っていても、その日の曲、その日の身体、その場にいる人で、答えが変わる。

だから、曲が変わっても同じ踊りを再生するだけではもったいない。

まず聞く。どんな速さやろ。どこが重いんやろ。どこに間があるんやろ。自分の身体は、どこで動きたがってるんやろ。

すぐ正解を決めなくていい。一回やってみる。違ったら変える。友達の踊りも見る。音楽へ戻る。

その繰り返しで、子どもの中に「この音なら、こう動きたい」が育っていく。

音楽性というと難しく聞こえるけど、入口はめちゃくちゃ単純。音を聞いて、自分が感じたことを一つ選ぶ。そこからやねん。

同じ曲でも、昨日と今日で感じ方が違うこともある。昨日は軽く聞こえた音が、今日は重く感じる。その変化も間違いちゃう。

身体の状態が違う。経験が一日分増えている。一緒に踊る仲間も違う。受け取る側が変われば、音楽の見え方も変わる。

だから「この曲はこう踊る」と一つに閉じなくていい。今の自分が何を受け取ったかを大事にする。

音楽を聞くことは、曲の正解を当てることではなく、曲と今の自分の間に答えを作ることなんよ。

親が音と身体を一緒に見ると成長が見える

親御さんが子どものダンスを見る時、振付を間違えなかったか、先生と同じ動きができたかは分かりやすい。

もちろん、それも成長。覚えられたこと、最後まで踊れたことは、その日の大事な100点やと思う。

でも、少しだけ音楽と身体を一緒に見てほしい。

• 曲が強くなった時、身体のどこかが自然に変わったか。
• 小さな音で、動きまで少し細くなったか。
• 間違えた後も、音を聞いて自分の場所へ戻れたか。
• 先生を見ていない瞬間にも、その子のリズムが続いていたか。

前はカウントを追うだけやった子が、一つの音で顔を上げた。前は全部同じ強さやった子が、一歩だけ軽く遊べた。

これも、めちゃくちゃ大きな成長。

技の数は増えていないかもしれへん。形も昨日と同じかもしれへん。でも音楽と身体の間に、その子なりの関係が生まれている。

「間違えへんかったな」だけではなく、「あの音で顔が変わったな」と言ってもらえると、子どもは自分が感じたものに氣づける。

感じたことを見てもらえた。その経験が、次に音楽を聞く力へつながっていくんよ。

家で動画を見る時も、技ができた場所だけを止めなくていい。曲が変わったところで身体がどう変わったかを、一緒に見てみる。

「ここ、なんで小さくしたん？」と聞いたら、本人なりの答えが返ってくるかもしれへん。答えがなくてもいい。その問いで、自分の身体と音楽をもう一度感じ直せる。

親が評価する人ではなく、一緒に氣づく人になると、子どもは音楽の感じ方を隠さなくなる。

獅子会で伝えたい音楽を聞くの正体

獅子会で音楽を聞くことを大事にするのは、リズム感のいい子を作りたいからだけちゃう。

もちろん、音を聞けたら踊りは変わる。強弱が出る。間が生まれる。同じステップでも、その子の表現になる。

でも、その奥にあるのは、目の前で起きていることを受け取りながら、自分の状態へ戻る力やと思ってる。

音楽は待ってくれへん。さっきの失敗を考えている間にも次の音が来る。先の動きを心配している間にも、今の音は通り過ぎる。

だから聞く。今に戻る。足裏を感じる。呼吸を感じる。自分の身体が何を受け取ったかを感じる。

全部つながってる。

在れば成る！

正しく動けたから音楽の中に在れるんちゃう。まず今の音と今の身体に在るから、次の一歩が生まれる。

音楽を支配しようとしなくていい。全部の音を捕まえなくていい。自分が触れた一音を、身体でちゃんと受け取ればいい。

今日できたことも、できなかったことも、音楽の中へ返していく。

トレーニングした身体も、迷った一歩も、友達から受け取った刺激も、全部が次の踊りを作る。

一人で聞けなかった音が、仲間と踊ったら聞こえることもある。先生の一言で、今まで足元にしかなかったリズムが背中まで通ることもある。

何に触れたか。誰と音楽を受け取ったか。どんな場所で自分の身体を感じたか。その全部が、その子の聞く力を育てる。

子どもたちには、カウントの正解だけではなく、音楽の中で自分がどう動きたくなったかを大事にしてほしい。

その小さな反応が、やがてその子のリズムになる。

その積み重ねが、その子にしか踊れないダンスになる。

全部、お陰様。

SHIGE_SDS